Construcción de ruinas: Valerie Hegarty | LUCILA VILELA

português

Valerie-Hegarty. Niagra Falls, 2007

Valerie Hegarty construye para destruir. Su proceso implica copiar y modificar iconos de la pintura americana como si estuviesen en ruinas, parcialmente destruidas por la acción del tiempo, atacadas por pájaros, incendiadas o invadidas por la naturaleza. Lo que interesa es lo que queda: la visión de lo que se está deshaciendo, rompiéndose en un lento proceso de destrucción. Ese tiempo lento hace que las ruinas parezcan estáticas. Sin embargo, están siempre en movimiento, sometidas a la acción constante del tiempo y de la naturaleza. Simmel observa que “la violación de la obra de la voluntad humana mediante el poder de la naturaleza, para poder tener un efecto estético, tiene como requisito la condición de derecho de que la propia naturaleza nunca se haya extinguido completamente en esta obra, a pesar de que haya sido formada por el espíritu.”[1] Hegarty elabora, a partir de esa estética, un diálogo entre la Historia del Arte y el proceso de transformación física y metafórica de las obras.

“Tal vez lo mejor sea ver la pintura como una casa en ruinas y no como un edificio que se basta a sí mismo. Una construcción que se ha intentado demoler una y otra vez, sólo para descubrir que sus materiales y efectos son irremplazables: las piedras antiguas deben ser usadas para armar de nuevo la casa original”[2], comenta Lucas Ospina en su texto “La pintura como ruina”. El autor percibe tres aspectos que fundan el arte de representar ruinas: lo simbólico, la representación de la vida humana y su inefable destino; lo estético, instante sublime de suspensión y la ruina como componente estructural para la creación. Hegarty, en una entrevista con Miriam Katz comenta que el desastre natural es sublime por naturaleza: “He trabajado mucho con paisajes sublimes. Recientemente recreé una obra de Albert Bierstadt, Entre la Sierra Nevada, California (1868), una escena de montaña sublime, y la hice aparecer como si hubiese sido atacada por un pájaro carpintero. En este trabajo era como si la naturaleza reorganizase o modificase el cuadro para dar una reflexión más adecuada de la situación actual del mundo, mientras la pintura original era una versión más idealizada”[3].

Valerie-Hegarty. Bierstadt with Holes, 2007

Baldine Saint Girons percibe en su libro “Lo sublime” que Mark Rothko, uno de los principales exponentes del expresionismo abstracto, reivindica un “arte de lo sublime”: “las grandes dimensiones de los cuadros reclaman las dimensiones de los rascacielos americanos. (...) el espectador no tiene que mirar el cuadro como si estuviera visionando una imagen a través de un proyector o a través de una lente capaz de empequeñecerla, sino que debe sumergirse en el cuadro”[4]. De esta manera, cuando Hegarty decide trabajar sobre de los lienzos de Rothko, evoca la atmósfera sublime que acaba volviéndose constante en sus obras. En Rothko Reflection y Rothko Sunset, de 2009, los lienzos parecen incendiados, evocando la intensidad emocional del expresionismo abstracto.

Valerie Hegarty. Rothko Sunset, 2007

Valerie Hegarty provoca ruinas. La artista hace toda una labor de construcción, copia cuidadosamente cada obra aproximándose al gesto del pintor elegido para, enseguida, acelerar el tiempo forzando su descomposición. “Hacer el trabajo yo misma demuestra que soy sincera. Si mi trabajo fuese simplemente bromear con la historia de la pintura, podría coger algunas pinturas y pisar encima. Pero no se trata de eso. Estoy rompiendo esas pinturas después de pasar meses haciéndolas y enganchándome a ellas”[5], dice Hegarty. El lienzo rasgado, harapiento, aparece como si hubiese sido expuesto a lo largo de años en un ambiente externo, sometido a los desgastes de la naturaleza. Algunas de sus pinturas muchas veces se exponen al aire libre, dejando realmente que la acción del tiempo actúe sobre ellas. Es el caso de Autumn on the Hudson Valley with Branches, de 2009, basada en Otoño en el Río Hudson, un lienzo de Jasper Francis Cropsey realizado en 1860. Cropsey formaba parte de la Escuela de Rio Hudson, un movimiento norteamericano de pintores paisajistas que se desarrolló entre 1825 y 1880. La región de río Hudson y las montañas circundantes fueron ampliamente explorados en esta época. De esta manera, Hegarty recrea la obra de Cropsey e instala su lienzo al aire libre, en la reja de un parque en Manhattan. Como si se transformase en ramas de árboles, su pintura parece estar volviendo al estado natural, en un eterno retorno del tiempo.

Valerie Hegarty. Autumn on the Hudson Valley with Branches, 2009

La artista también ha intervenido ambientes arquitectónicos, transformando los espacios en ruinas, forjando un aspecto abandonado y una atmósfera decadente. En Threshold, de 2002, la artista construye un mosaico en el suelo de una galería utilizando papel, goma y pintura, reproduciendo los motivos de muchos mosaicos existentes en el barrio de Chicago de Nueva York, que fueron desapareciendo de los edificios a medida que la ciudad se modernizaba. Threshold consiste en una especie de trompe-l'oeil que se instaura en el espacio. Ilusión de un vestigio. Hegarty trabaja con la estética de lo efímero, presa en una temporalidad simbólica. Su obra sugiere una existencia expuesta a la fragilidad, en que lo precario revela las condiciones de la imagen. El gesto de la artista trae a sus obras un tiempo estratificado que actúa en el presente, transforma el paisaje en pintura y la pintura en paisaje.

Valerie Hegarty. Threshold, 2002